Si queréis muy mucho a vuestra madre. Pero Mucho: os ofrecemos dos sugerencias con mucho estilo. Dos joyas para madres chic y únicas: un colgante y un llavero exclusivos de Peugeot.
Muchos de nuestros lectores conocen el Peugeot Design Lab, un departamento capaz de sorprender creando bicicletas, motos, lámparas impresas en 3D… Y muy pronto, un jet de lujo. Pero pongamos los pies en el suelo para hacer un regalo al ser más especial de nuestra vida.
Aquí están dos joyas hechas por Peugeot. El colgante Onyx, por 690 euros; y el nuevo llavero de edición limitada por 25 euros.
Hablamos de alta joyería francesa que puede adquirirse en la Boutique Peugeot. Dos propuestas que, según describe la marca de coches, «hará las delicias de las madres más elegantes y trendy».
Paneles de la carrocería del coche en carbono. Y en su interior, motor V8 híbrido HDi FAP de 3,7 litros de 600 CV con caja de cambios secuencial de 6 velocidades. Así se describe el Onyx, un concept car de 2012 que, a partir de ahora, presta su nombre a dos modelos de colgantes para mujer. Uno, el Goutte, con el aspa en forma de gota. Y el otro, llamado Sylex, en la forma de la que toma su nombre.
Están hechos a mano a partir de auténtica piedra mineral Ónix y una aleación de oro rosa 5N. Y el resultado son piezas de marcadas formas geométricas de altos estándares de calidad.
Cristal en edición limitada
Pero vayamos un paso más allá. Más exclusivo. Aquí sale a relucir Swarovski. Poca presentación necesita esta marca de productos de lujo fabricados con cristal tallado. Lo que sí podemos decir es que el llavero joya que ha diseñado en exclusiva para Peugeot es una edición limitada y nueva creación.
La pieza está compuesta de un pompón de ante negro, dos dijes que representan el Arco del Triunfo parisino y el león de Peugeot, así como de tres guirnaldas de cristal Swarovski con dos enganches: uno para usar como llavero, y otro para que cuelgue de un bolso como elemento decorativo.
Pero rápido, ¡que se agotan, son limitadas! Porque nuestras madres son una joya. Y porque nos gustan los coches. En definitiva: joyas para madres con la firma de marca de coches.
Raphael Colantonio viajaba a 40.000 pies de altitud sobre la Tierra. Y le vino la inspiración. Anotó algunas ideas del guión para un nuevo videojuego. Normal que se ambiente en una nave especial. Así nace Prey, que propone una serie de alienígenas de videojuego inéditos en el género.
Colantonio llamó a su equipo de Arkane Studios para desarrollar la idea. Se le dio forma y se dio forma a aspectos muy concretos. Desde la ecología alienígena y el diseño de la estación espacial, a los personajes secundarios y los diálogos. Después de unos 4 años de trabajo, Prey acaba de ponerse a la venta para PS4, Xbox One y PC. Y quiere que te olvides de los típicos alienígenas de videojuego.
¿Te atreves a conocer las distintas “razas” que te encontrarás en Prey? Se llaman Tifon, que aparecen después de que un experimento para mejorar la humanidad haya acabado con una plaga de los alienígenas que estaban en contención. Los responsables de diseño comentan que no querían «hacer soldados con armas alienígenas ni monstruos babosos y pegajosos». Ricardo Bare, diseñador jefe, añade que buscaban «evocar algo más misterioso, insondable y paranormal. Tardamos bastante tiempo en conseguir dar con lo que buscábamos: el cuerpo de los Tifón es amorfo. Es difícil acorralarlos».
Pero el desarrollo incluye interesantes variaciones. Y es que los Tifón cuentan con una base: los Miméticos. El director creativo explica que su función es de exploración. «Se esconden, y reúnen energía cuando se alimentan de cosas vivas. En este caso, de humanos. Cuando tienen energía suficiente, algunos miméticos se unen y crean “algo” llamado Tejedor.
Por tanto, avanzamos en la particular fauna de esta novedad en videojuegos. Sobre lo Tejedores se puede decir que tienen varias funciones. Una de ellas es la curiosa posibilidad de generar Fantasmas. Éstos son guardianes creados a partir de los cadáveres desecados que dejan los Miméticos y que protegen al resto de alienígenas. Así, los Fantasmas suelen llevar restos humanos como llaves, tarjetas de acceso u otros objetos de inventario.
También los Tejedores han creado “su” alienígenas de videojuego. Los Telépatas, que pueden controlar a otras criaturas (poseídas) y lanzar un ataque psíquico para que el protagonista de Prey, Morgan, no pueda usar sus poderes durante un tiempo. Además, la variante Tecnópata permite manipular la maquinaria de la estación espacial.
Ya hemos citado al héroe de esta aventura digital: Morgan Yu. Y por esas cosas que tiene la vida (espacial), los aliens intentarán acabar con él. Para rematar “la faena”, los aliens han desarrollado Pesadilla, diseñada para dar caza y acabar con nuestro protagonista.
Tráiler
Terror, aventura al máximo, nada de clichés y muchos, muchos alienígenas de videojuego en esta novedad recién lanzada al mercado. Desarrollada por Arkane Studios, la producción pone la guinda al estar ambientada en un mundo en el cual el presidente Kennedy ha sobrevivido al intento de asesinato, la carrera espacial se desarrolla de forma diferente…
“Piedad y terror en Picasso”. Es el título de la muestra con la que el Museo Reina Sofía celebra desde el 4 de abril los 80 años del Guernica de Picasso. Así como los 25 de la llegada de la obra al museo. Se muestra una cuidada selección de casi 180 de sus obras procedentes de 30 museos de todo el mundo.
Una exposición que narra el camino creativo y la “metamorfosis” que sufrió Picasso a finales de los años 20 y que le llevó a construir en 1937 el “Guernica”.
Fue por encargó del Gobierno de la II República para el pabellón de la Expo de París. Un mural en blanco y negro que se ha convertido en el grito antibelicista más famosos del siglo XX. El Guernica es una obra en la que Picasso deja «su inicial optimismo y donde refleja el terror del siglo XX. Con una realidad marcada por la guerra, el nazismo, la II Guerra Mundial, la Guerra Civil, el miedo y la muerte». De ahí el título de la muestra, ha subrayado el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel.
Borja-Villel ha estado acompañado por los comisarios de la exposición, Timothy J. Clark y Anne M.Wagner, historiadores de arte y profesores eméritos de la Universidad de Berkeley (EEUU). Y por la jefa del área de colecciones del Museo, Charo Peiró.
Clark ha señalado la «dificultad» que conllevaba el proyecto de esta muestra por la necesidad de contemplar estas obras presentadas y la excepcionalidad de poder reunirlas. Como “Las tres bailarinas” (1925) de la Tate de Londres. Además han intentado reflexionar de manera diferente sobre esta obra universal.
«El contexto político no está tan presente como se podía esperar, pero muchos ya han analizado este contexto y eso no va a desaparecer». Pero ese no era nuestro papel. Hemos preferido acercarnos a Picasso como persona». Así se ha explicado el comisario, que también ha destacado la crisis sufrida por Picasso a finales de los años 20. «Antes de 1937, la obra de Picasso no tenía dirección, estaba perplejo por los acontecimientos. Y el terror, el miedo y la muerte se convierten en su tema. Lo plasma en algunas de sus obras, como el cuadro “Las tres bailarinas”. Y es ahí donde empieza el terror en sus obras».
Por su parte, Anne M.Wagner ha destaco los dibujos de Picasso en blanco y negro y en color, en los que aborda la muerte de inocentes, hasta llegar al “Guernica”. «Estudia a las mujeres de una manera diferente. Hay una transformación de su pensamiento. Dibuja a las madres sufridoras y las dibuja incluso como un arma. Sus pechos dejan de ser parte del alimento para ser armas», ha argumentado la comisaria.
«No hay hombres y ésa es la razón por la que el cuadro ha atraído de forma poderosa al público en el siglo XX y ha comunicado tanto. Hizo una obra de sufrimiento de madres, niños y animales», ha matizado.
Vídeo. Llegada de las obras de la exposición “Piedad y Terror en Picasso. El camino a Guernica”, al Museo Reina Sofía.
Más allá de El Guernica
Para llegar e indagar en el camino de Picasso al Guernica, destacan también “La escultura de mujer en el jardín” (1930), del Museo Picasso de París. Y “Mujer peinándose” (1940), del Moma. “Desnudos de pie junto al mar” (1929), del MET de Nueva York. O “Mandolina y guitarra” (1924) del Museo Salomon R. Guggenheim. Así como “Monumento. Cabeza de mujer” (1929), de una colección particular.
Guernica. El horror de la guerra en dos dimensiones
Así es como el Reina Sofía se acerca a un Picasso pre y post “Guernica” “aterrado por la guerra” y atento al “sufrimiento” femenino.
Dividida en diez salas, el “Guernica” es el epicentro de la muestra alrededor del cual giran las piezas anteriores y posteriores de Picasso. Comienza con los años 20 y 30 con la sala “El mundo es cuadro”. En ella hay naturalezas muertas y cubismo. Le sigue “Belleza y terror”, con “Las tres bailarinas”, que es una obra considerada por el pintor como su “mejor cuadro”.
La siguiente sala es “Monstruos y Monumentos”. En ella se reúnen algunos de los ejemplos más importantes y desconcertantes de los cuadros que comienza a hacer el pintor malagueño.
“Qué sucede en la tragedia”, “Mater dolorosa” y “Las cosas se desmoronan” (donde está el Guernica), son las otras salas. Concluyen en tres áreas finales que presentan aspectos de la persistencia del “Guernica” hoy.
El director del Reina Sofía ha respondido ante la pregunta de si se llegaría a restaurar. «No vamos a restaurarla. No va a ver una restauración estructural. Solo podríamos estudiar si se podría quitar el barniz que se le dio cuando el cuadro llegó a España».
La belleza de dos cuerpos danzando. Aunque los bailes sean, en principio, muy distintos. La luz se derrama tímidamente. Es una estación abandonada donde ballet y breakdance se encuentran. Y los protagonistas terminan casi desnudos ante la belleza del baile.
Son movimientos hipnóticos. Arte con el propio cuerpo. Giros, saltos. Y por qué no: pizcas de insolencia para retar al contrario. Es un encuentro de bailes único. Y espectacular. Sugerente.
Es una coreografía distinta que “enfrenta” dos estilos de moverse en un escenario. Los lectores de Blog Tallerator sois testigos de excepción. Estamos en Florencia. Concretamente, en la Stazione Leopolda. Es un almacén de ladrillos que ya no se utiliza, abandonado en una estación de tren de la bellísima ciudad italiana.
Vemos a Virginia Tomarchio. La bailarina domina movimientos denominados déboulé o relevé. Puro clasicismo. Pero se las tendrá “que ver” con Lil-G, del Red Bull All Stars y sus movimientos de robot, “drops” y otras acciones.
Ahora, comienza el espectáculo. Es algo casi íntimo. Un duelo de estilos. Ambos se provocan. La luz traspasa tímidamente los cristales mientras la música clásica inunda el lugar. Baña los movimientos creados por el coreógrafo Kris. Un duelo de bailes en un escenario muy poco conocido.
De los bailes a la casi desnudez
Se abre una puerta. Tomarchio se aproxima al él con gesto de cierta superioridad. De reto. A su vez, Lil-G se burla de sus inusuales movimientos iniciales. Como si fuese un pingüino. Pero después de la indiferencia inicial, cada nuevo paso entrelaza más a los bailarines.
Música clásica como telón de fondo. Movimientos de ballet y breakdance tienen lugar a la vez. Y se van complementando.
El duelo de bailes les hace entrelazarse cada vez mejor. Porque el concepto que se quiere transmitir es sencillo: “desnudos somos todos iguales”. Y así, los dos bailarines se van desnudando y terminan escasamente vestidos.
Al final, un clip de cuatro minutos llamando Just Like You. Una oda visual al arte corporal hecho movimiento. En definitiva, un duelo de bailes donde gana el arte.
Una gran oportunidad de descubrir el surrealismo egipcio. Más de un centenar de obras del colectivo egipcio de artistas surrealistas Art et Liberté se exponen por primera vez fuera de ese país. Concretamente, en el Museo Reina Sofía. Donde casi 80 años después se han reunido de nuevo con el “Guernica” de Picasso. Este cuadro ilustró el manifiesto de este grupo en 1938.
“Art et Liberté: ruptura, guerra y surrealismo en Egipto (1938-1948)”. Es el título de esta exposición que estará hasta el 28 de mayo el Museo Reina Sofía. Y es la primera retrospectiva que se realiza de este grupo. Tras pasar por París y Madrid, viajará posteriormente a Düsseldorf (Alemania) y Liverpool (Reino Unido).
Este grupo de artistas y escritores radicados en El Cairo se fundó en los albores de la Segunda Guerra Mundial. Se involucraron en la lucha contra el fascismo a partir de la publicación de su manifiesto “Viva el arte degenerado”, que fue ilustrado con el Guernica.
El director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, ha destacado en la presentación de esta exposición la búsqueda de un realismo subjetivo por parte de este colectivo. “Con formas que nos remiten al relato, que siempre tiene que ver con la imaginación”. Y es que uno de los rasgos definitorios de Art et Liberté era la estrecha correlación entre la palabra escrita y la imagen pictórica.
El lenguaje surrealista permitió a este grupo de artistas plasmar composiciones de cuerpos fragmentados a través de pinturas con figuras humanas deformadas o distorsionadas. Y así representar las extremas desigualdades económicas de El Cairo en los años 40.
Este lenguaje está presente en las obras de Antoine Malliarakis, conocido como Mayo. Un artista egipcio de ascendencia greco-francesa del que se pueden ver en la exposición pinturas como “Bastonazos”.
Los artistas surrealistas expresaban así su contraposición con los estilos más conservadores y la tendencia academicista y nacionalista del arte burgués. Era el predominante en aquella época en El Cairo.
Según Fellrath, esta exposición supone la primera ocasión en la que en un espacio público puede verse el surrealismo egipcio. Porque la mayoría de las obras se encuentran en colecciones privadas.
Aunque no se trata de una exposición “política”, ha indicado este comisario, se puede observar cómo este grupo de artistas idealistas quería cambiar el mundo.
El movimiento Art et Liberté, ha explicado Sand, representa una nueva forma de realismo subjetivo. Ya que, aunque defendían la libertad del artista para escoger materiales y temas, apostaban por la conexión con la realidad para conseguir la revolución a través del arte.
Entender el surrealismo egipcio
Los miembros del colectivo creían que el surrealismo era esencialmente un llamamiento a la revolución social y moral. Además de un movimiento artístico.
La exposición recoge también muestras de la fotografía de los artistas de Art et Liberté, que hicieron uso de técnicas como la solarización y el fotomontaje para realizar imágenes absurdas. En ellas exploraban la deconstrucción de la forma humana.
Los comisarios han destacado también el papel que este movimiento otorgó a la mujer, que contó con mecenas como Marie Cavadia y Lee Miller. En sus casas pusieron en contacto a los artistas del grupo con otros surrealistas internacionales.
Así, han explicado, estas mujeres contribuyeron al marcado enfoque feminista. Tanto de publicaciones como de las artes visuales. De tal forma que el tema de la prostitución fue protagonista de muchas pinturas.
En ellas, el cuerpo de la mujer se presenta roto y deformado. Una imagen que se convirtió en un espacio de protesta social y artística.
El internacionalismo de este movimiento es otra de las características destacadas por los comisarios de la exposición. Estos han recalcado cómo se trata de una nueva forma de entender el surrealismo. Y de la necesidad de prescindir de la visión de un arte de la periferia frente al de Europa.
EFE
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